Come vivono gli artisti?

A cura di Santa Nastro e Alex Urso
Istituto Italiano di Cultura di Varsavia
13 ottobre - 11 dicembre 2026

 

 

Prosegue fino all'11 dicembre 2026 la mostra Come vivono gli artisti?, promossa dall'Istituto Italiano di Cultura di Varsavia, che la ospita, in collaborazione con Gruppo21.
 
Curata da Santa Nastro e Alex Urso, l'esposizione coinvolge gli artisti italiani e polacchi Maess Anand, Alicja Bielawska, Eva Frapiccini, Piotr Hanzelewicz, Igor Kubik, Luana Perilli, Alessandro Scarabello, Giuseppe Teofilo, Alex Urso, in un dialogo attivo tra le due realtà.

In occasione del finissage, il giorno 11 dicembre 2026, si terrà una azione della performer Veronica Vagnoni. La mostra è stata presentata in anteprima il 10 ottobre 2026, in occasione della ventiduesima Giornata del Contemporaneo.
 
Come vivono gli artisti? La domanda sembra semplice, ma porta con sé una questione più ampia: quanto è possibile vivere della propria pratica artistica e quanto lavoro serve per poter continuare a farla? L'immagine dell'artista completamente dedito alla propria ricerca nasconde spesso una realtà molto diversa. Per molti artisti, infatti, portare avanti più lavori contemporaneamente è una condizione necessaria: insegnare, curare mostre, scrivere, occuparsi di comunicazione, collaborare all'organizzazione di eventi, lavorare come freelance o svolgere professioni che non hanno alcun rapporto con l'arte. Non si tratta necessariamente di una scelta. Spesso è il modo attraverso cui la pratica artistica può continuare a esistere. La mostra ospitata dall'Istituto Italiano di Cultura di Varsavia prova a fare luce su questo fenomeno, mettendo in relazione artisti italiani e polacchi che, pur nelle differenze dei rispettivi contesti, vivono una condizione professionale affine: una condizione "plurale".
 
Una ricerca di AWI-Art Workers Italia condotta su 440 artisti mostra che l'80% degli intervistati svolge altri lavori oltre alla propria ricerca. Il dato è significativo non tanto perché quantifica il cosiddetto "secondo lavoro", ma perché evidenzia quanto sia difficile separare la pratica artistica dalle altre attività necessarie a sostenerla.

Questa realtà rimane però poco visibile, quasi nascosta, all'interno di un sistema dell'arte che tende sempre più a concentrarsi sul risultato: una mostra, una residenza, una biennale. Molto meno spazio viene dato invece a tutto ciò che viene prima e dopo la realizzazione di un'opera: le ore trascorse a lavorare fuori dallo studio, la ricerca senza un risultato immediato, la gestione amministrativa, il lavoro di cura, la maternità, le difficoltà economiche. Tutto questo sembra appartenere alla vita privata, quando invece costituisce una tra le parti fondamentali del lavoro artistico.

La stessa situazione emerge, con caratteristiche proprie, anche nel contesto polacco. Una ricerca nazionale del 2024, Policzone i policzeni. Artystki i artyści w Polsce 2024, ha stimato circa 62.000 persone professionalmente attive come "artisti". Circa il 90% di questi presenta redditi irregolari; solo l'11% ha un contratto di lavoro stabile, mentre il 15,3% lavora senza contratto, e il 10,4% non dispone di assicurazione sociale. Certo, questi numeri non significano che il 90% degli artisti polacchi abbia necessariamente un secondo lavoro. Dicono però qualcosa di altrettanto importante: la pratica artistica si sviluppa spesso in condizioni economiche instabili e attraverso forme di lavoro frammentate, che finiscono inevitabilmente per incidere anche sulla ricerca e sulla realizzazione delle opere.
 
Italia e Polonia mostrano, in sintesi, una condizione comune: l'arte viene riconosciuta come importante, ma il lavoro che la rende possibile rimane spesso fragile. La precarietà non riguarda soltanto il reddito. Riguarda il tempo, la possibilità di programmare il futuro, l'accesso alla previdenza, la possibilità di fermarsi in un sistema che ci richiede sempre operativi, e ancora più semplicemente, quella di vivere senza dover trasformare ogni momento della propria vita in un'opportunità professionale. 

Gli artisti presenti in mostra, con le loro differenze anagrafiche, formative e professionali, offrono interpretazioni diverse del tema e, al tempo stesso, incarnano concretamente questa condizione precaria. Sono figure inserite all'interno del sistema e del mercato dell'arte italiano e polacco che, nonostante il talento e il riconoscimento raggiunto, si trovano spesso a fare i conti con gli ostacoli della quotidianità e con l'instabilità della propria posizione professionale, ricorrendo ad altre attività lavorative per poter sostenere la propria ricerca. 

La mostra non intende offrire una risposta univoca a queste riflessioni, racconta infatti il senso di precarietà attraverso una lente molto ampia, che non è solo sociale, ma anche psicologica, sentimentale ed esistenziale, dando il senso di una dimensione che è umana oltre che di mestiere. 

Come vivono gli artisti? si pone soprattutto il problema di sollevare domande e portare all'attenzione un tema urgente e ancora poco discusso. Parlare delle condizioni di vita degli artisti significa spostare lo sguardo dall'opera a ciò che la rende possibile. Significa considerare parte integrante del lavoro anche tutto ciò che normalmente non viene mostrato: il tempo, le difficoltà, le attività parallele e le condizioni materiali che permettono alla pratica artistica di esistere.

Per informazioni:
Istituto Italiano di Cultura di Varsavia
Włoski Instytut Kultury w Warszawie
ul. Marszałkowska 72, Warszawa
https://iicvarsavia.esteri.it/it/

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Complesso Monumentale dell'Annunziata - Intervista a ROViRO'

by Rosaria Pannico

Oggi siamo nuovamente  in compagnia del nostro amico Roberto ROViRO' ancora nel cuore di Napoli, precisamente presso Salone delle Colonne del Complesso Monumentale dell'Annunziata per un'intervista realizzata il giorno 18 ottobre, ricordiamo giorno dell' l'inaugurazione della mostra dal titolo "Messaggi di Pace" dove era ad esporre con le sue bellissime opere. 

 

Per info:

rivitalismo@libero.it

(il link non ha accesso diretto ma è da copiare e incollare sul web).

 

 

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https://www.rosarydelsudartnews.com/2026/10/intervista-roviro-nel-salone-delle.html 

La linea della materia

Progetto espositivo curato da Simona Di Sciullo, con opere di Iole Cilento, 

Luana Di Sarno ed Ellen G.

 negli storici spazi ipogei dell’Atrio delle Trentatré, in via Luciano Armanni 16 a Napoli

dal 31 ottobre al 14 novembre 2026, martedì–venerdì, ore 16.00–19.00
La mostra si colloca nell'ambito della 18esima edizione della rassegna culturale Strane Coppie, ideata e curata da Antonella Cilento, dedicata quest'anno al tema Confini.

sabato 7 novembre 2026, ore 17:00 
performance di Iole Cilento, con la partecipazione di Clara Garesio

Quattro donne, quattro generazioni, quattro cuori: un esercizio di fare comune: Iole Cilento, Clara Garesio, Vittoria De Biase e Chiara Marino.
 

 

La performance nasce dall’incontro tra pratica artistica e pratica meditativa, ispirata alle direzioni cardinali e alla meditazione del cuore. 

 

 

Quattro donne, appartenenti a quattro generazioni, si riuniscono attorno a un unico elemento naturale, uno spazio liquido, per dare forma a una creazione che non appartiene a nessuna singolarmente, ma nasce dalla presenza di tutte.

 

 

 
Il gesto individuale diventa così relazione e riflessione sui confini e sulle possibilità del fare insieme: su come le differenze possano incontrarsi senza annullarsi e su come ogni gesto possa contribuire a generare una forma comune.

 
L’opera finale, impressa sulla carta, custodisce la traccia visibile di questo incontro: una memoria condivisa.

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Intervista a Giovanni Mangiacapra

by Rosaria Pannico

LESIONI.TRACCE DI MEMORIA di Giovanni Mangiacapra - LA PRESENTAZIONE 

 

 

 

Amiche e amici di rosarydelsudArt news è ancora possibile visitare mostra di arte moderna e contemporanea di Giovanni Mangiacapra dal titolo "LESIONI.TRACCE DI MEMORIA".

 

L'esposizione sarà visitabile fino al 14 novembre presso le Antisale dei Baroni del MASCHIO ANGIOINO Napoli.

L'esposizione propone un percorso visuale intimo ed emotivo che mette al centro il concetto di ferita, temporale e interiore, facendone materia pittorica. L’invito di Mangiacapra è chiaro e viscerale: sfiorare le crepe e le lesioni. 


Per noi la splendida intervista con Giovanni Mangiacapra: 

 

 

 

 

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In occasione di Fieracavalli Veronafiere espone una selezione delle opere del fondo A Disposizione

Tre opere della collezione che esplorano il tema del movimento e della velocità inaugurano un allestimento permanente

 

  Verona, 5 novembre 2026 – Veronafiere, in occasione della 128ª edizione di Fieracavalli, appuntamento di riferimento del panorama equestre internazionale che si svolge dal 5 all’8 novembre 2026, espone una selezione delle opere acquisite attraverso il fondo A Disposizione. Veronafiere per l’arte durante ArtVerona, manifestazione dedicata all’arte moderna e contemporanea.  

 

In occasione di Fieracavalli prende il via un ciclo espositivo destinato a mettere in dialogo le opere della collezione A Disposizione. Veronafiere per l’Arte con i diversi contesti fieristici del Gruppo. Allestito negli uffici di Veronafiere, è intitolato La forma della velocità e propone una lettura del movimento, del ritmo e dell’energia attraverso la selezione di tre opere simbolo che superano la staticità dell’immagine: Fuoco (1965) di Nanni Balestrini, Cromo Struttura n. 7 (1973) di Lucia Di Luciano, e Cose illuminate (2013) di Alfredo Pirri.

 

Protagonista della sperimentazione verbo-visiva, Nanni Balestrini, nell’opera Fuoco decontestualizza e ricompone parole e frammenti dalla stampa e dai media, trasformando il linguaggio stesso in un movimento dinamico capace di sovvertire i codici comunicativi convenzionali.  

 

In Cromo Struttura n. 7 (1973) di Lucia Di Luciano, esponente dell’arte programmata e delle ricerche ottico-percettive, viene invece costruita una sequenza dinamica basata su elementi geometrici e variazioni cromatiche che generano vibrazioni visive e tensione tra ordine e variazione.  

 

In Cose illuminate (2013) di Alfredo Pirri, dove attraverso una struttura radiale e materiali riflettenti, l’opera espande l’immagine nello spazio, le variazioni della luce, concepita dall’artista come materia in grado di costruire e dilatare gli ambienti, coinvolgono direttamente lo sguardo dello spettatore.  

 

Tre percorsi artistici e generazionali differenti si incontrano così in un dialogo che intreccia energia, linguaggio, ritmi geometrici e vibrazioni della luce, riflettendo lo spirito del progetto avviato nella scorsa edizione di ArtVerona.

 

 

Veronafiere Collection

A Disposizione è il fondo di acquisizione istituito da Veronafiere nel 2018, nell’ambito di ArtVerona, che afferma come l’arte sia espressione dell’identità di un’impresa.
La collezione di Veronafiere, che oggi conta 34 opere, è un racconto che attraversa il tempo e gli spazi, rendendo l’azienda un luogo di dialogo e di confronto, attraverso i linguaggi più storicizzati di artisti come Giorgio Griffa, Nanni Balestrini, Lucia Di Luciano, Alfredo Pirri e quelli più contemporanei, tra i quali Serena Vestrucci, Valerio Berruti, Regina José Galindo, Natália Trejbalová e molti altri.
Interessata da un processo di costante implementazione, la collezione viene valorizzata grazie ad un’esposizione tra gli spazi fieristici e quelli del circuito museale della città di Verona.

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Un'installazione site-specific di Adrian Paci arricchisce il paesaggio di No Man's Land a Loreto Aprutino (PE)

Un'installazione site-specific di Adrian Paci arricchisce il paesaggio 

di No Man's Land 

a Loreto Aprutino (PE)

 

 

Con l'opera Side by side, presentata in occasione di Cantiere Aperto IV, No Man's Land celebra dieci anni di attività.

 

 

  Il paesaggio di No Man's Land a Loreto Aprutino (PE) si arricchisce di una nuova opera permanente: Side by side, installazione site-specific di Adrian Paci (Scutari, Albania, 1969), tra gli artisti più rilevanti della scena internazionale.

Presentata al pubblico il 10 ottobre scorso, l'opera segna una nuova tappa nel percorso di No Man's Land, il progetto nato dall'incontro tra la visione dell'architetto Yona Friedman e dell'artista Jean-Baptiste Decavèle, e l'attività dell'associazione Zerynthia di Mario Pieroni e Dora Stiefelmeier.

«Side by side è un lavoro che riflette sull'idea di equilibrio tra pieno e vuoto, tra ciò che si toglie e ciò che si aggiunge. L'idea nasce da una semplice riflessione sui due volumi che si creano quando facciamo una buca per terra. Scavando creiamo un vuoto nel terreno e accanto a quel vuoto si forma un accumulo che corrisponde al volume tolto. Da questa intuizione il lavoro prende corpo e si semplifica in geometrie elementari attraverso un materiale rigido come il cemento. Evocando forme che possono ricordare il tetto di una casa così come il volume di una tomba, il lavoro richiama memorie di esperienze essenziali cariche di suggestioni», dichiara Adrian Paci.

L'installazione è stata inaugurata nell'ambito di Cantiere Aperto, la rassegna d'arte, musica e poesia promossa annualmente dalla Fondazione No Man's Land e curata da Zerynthia Associazione per l'Arte Contemporanea Odv con il patrocinio del Comune di Loreto Aprutino.

«Siamo onorati che Adrian Paci abbia accettato il nostro invito a Loreto Aprutino per la profonda affinità che lega la sua ricerca artistica ai principi che, fin dalla sua origine, animano No Man's Land. Nel lavoro di Paci ritornano, infatti, temi come la migrazione, lo spostamento, l'appartenenza, la memoria e la condizione dell'individuo di fronte ai luoghi che abita, attraversa o è costretto a lasciare», dichiara Dora Stiefelmeier, vicepresidente della Fondazione No Man's Land.

L'opera di Adrian Paci si affianca ai lavori realizzati da alcuni protagonisti della scena artistica contemporanea (Alvin Curran, Jimmie Durham, Alberto Garutti, Donatella Spaziani, Fabrice Hyber, Gülsün Karamustafa, Leonid Tishkov, Michelangelo Lupone con Licia Galizia, Bruna Esposito), che dal 2017 hanno trasformato il sito di Contrada Rotacesta a Loreto Aprutino (PE) in un laboratorio permanente di ricerca e sperimentazione tra arte e natura.

No Man's Land non è un museo a cielo aperto, ma uno spazio condiviso e in continua trasformazione, in cui la fragilità e la deperibilità dell'opera d'arte diventano valore e occasione di riflessione e di incontro.

La quarta edizione di Cantiere Aperto fa parte del progetto Cantiere Aperto - Percorsi di Arte Musica e Poesia, sostenuto dal programma Laboratorio di Creatività Contemporanea promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura.

Con l'installazione dell'opera di Adrian Paci, No Man's Land festeggia dieci anni di attività, anticipando di qualche mese la costituzione dell'omonima fondazione, che si è sempre posta come obiettivo l'innovazione e la rigenerazione socio-economica dei territori attraverso i vettori dell'arte contemporanea e della ricerca scientifica.

Per informazioni:

 https://nomanslandfoundation.com/home/

(il link non ha accesso diretto ma è da copiare ed incollare sul web)

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Alan Charlton - Inaugurazione 2 dicembre 2026

 ALAN CHARLTON
A CURA DI LORENZO MADARO

INAUGURAZIONE MERCOLEDÌ 2 DICEMBRE 2026 ORE 18 

PERIODO ESPOSITIVO
2 DICEMBRE 2026 - 16 FEBBRAIO 2027

 

 

  

La galleria A arte Invernizzi inaugura mercoledì 2 dicembre 2026 alle ore 18 una mostra personale di Alan Charlton, a cura di Lorenzo Madaro. L’esposizione prosegue la collaborazione avviata con l’artista inglese nel 1994 – che ad oggi annovera la realizzazione di dieci mostre personali presso lo spazio milanese – e presenta, sui due piani della galleria, opere recenti accanto a lavori degli anni Duemila.

«I am an artist who makes a grey painting»: Charlton affida a questa dichiarazione il senso di una scelta che dal 1969 accompagna la sua ricerca. Il grigio ne costituisce la premessa durevole, entro la quale si sviluppa un’indagine sulle possibilità della pittura e sul suo prendere posto nel mondo. A ogni nuova opera corrisponde una verifica: quanto può mutare una superficie al variare delle proporzioni? Come si trasforma una figura quando viene suddivisa? Quale relazione si stabilisce fra elementi separati da una porzione di parete? Sono interrogativi che l’artista affronta attraverso la concretezza del lavoro, lasciando che le risposte assumano la forma dei dipinti.

La riduzione dei mezzi rende particolarmente sensibile ogni decisione. Una differenza di tono, l’ampiezza di un intervallo, il rapporto fra altezza e larghezza incidono sull’equilibrio della composizione e sul modo in cui essa viene percepita. La geometria offre a Charlton una specifica grammatica sufficientemente precisa da consentire trasformazioni successive, ciascuna dotata di una propria necessità. Il suo rigore si riconosce nella corrispondenza fra le parti, nella chiarezza delle scansioni, nella possibilità di comprendere la costruzione dell’opera osservandola. Il grigio, inizialmente individuato fra i colori dell’ambiente urbano e industriale, acquista in questo processo una singolare ricchezza. La sua presenza trattiene l’attenzione sulle qualità della superficie e sui rapporti che si instaurano fra tele vicine. Le diverse tonalità possono apparire più prossime o più distanti secondo la luce e la posizione dell’osservatore; anche un insieme immediatamente riconoscibile richiede tempo per essere colto nelle sue sfumature. Charlton affida alla pittura questa facoltà di educare l’attenzione, rendendo avvertibile ciò che uno sguardo rapido tende a trascurare.

La costruzione dei telai, la tensione della tela e l’applicazione del colore sono momenti di un procedimento che l’artista conduce personalmente. L’apparente semplicità del dipinto discende da tale assiduità materiale. Ogni passaggio prepara il successivo e concorre a un esito nel quale il gesto individuale trova misura nella regolarità della stesura. Ne deriva una particolare intimità fra l’artista e l’opera: il lavoro della mano è presente nella cura delle giunzioni, nella tenuta dei margini, nell’accordo fra supporto e colore. La precisione possiede qui il carattere di un’attenzione rivolta alle cose. Nella sala principale del piano superiore della galleria A arte Invernizzi, le opere più recenti affrontano la forma circolare attraverso la suddivisione e la ricomposizione. Il cerchio conserva la propria riconoscibilità mentre l’articolazione delle parti introduce orientamenti e cadenze differenti. Lo sguardo segue i margini, attraversa le separazioni, ricostruisce le corrispondenze: la figura si offre come un equilibrio da percorrere. Nella seconda sala, l’accostamento di tele rettangolari dà luogo a configurazioni quadrate, rendendo evidente il rapporto fra l’autonomia dei singoli elementi e la forma che essi concorrono a generare. Al piano inferiore, le composizioni rettangolari e trapezoidali sviluppano ulteriori relazioni fra organizzazione modulare e variazioni dei grigi.

In ciascuna di queste soluzioni, la parete partecipa alla lettura del dipinto. Visibile negli intervalli, accompagna il ritmo degli elementi e rende percepibili le distanze sulle quali si fonda la loro relazione. Anche il bordo assume rilievo: indica lo spessore dell’opera, raccoglie la luce, proietta un’ombra. La pittura si manifesta così nella sua intera consistenza, attraverso una presenza che coinvolge lo spazio circostante. Avvicinarsi consente di riconoscere la fattura delle superfici; arretrare restituisce la struttura complessiva: fra queste due distanze si svolge una parte essenziale dell’esperienza.

L’accostamento di opere appartenenti a momenti diversi permette di cogliere come Charlton abbia fatto della continuità una risorsa inventiva. Il permanere di alcuni elementi fondamentali rende più nitide le trasformazioni e consente di seguire il pensiero nel suo procedere. Ogni dipinto costituisce un approdo preciso, dal quale altre possibilità possono ancora emergere. È in questa paziente apertura che si riconosce la qualità della sua ricerca: nella capacità di rinnovare, attraverso il colore e la misura, la nostra attenzione per lo spazio che abitiamo.

In occasione della mostra sarà pubblicato un catalogo bilingue con un testo di Lorenzo Madaro, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico.

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Video della mostra "Michel Verjux. Tout ou partie"

 

 

La galleria A arte Invernizzi ha inaugurato una nuova mostra personale di Michel Verjux, artista francese con cui ha un rapporto consolidato, avviato nel 2001 in occasione della prima collaborazione.

Verjux dal 1983 sviluppa la sua ricerca attraverso gli éclairages, interventi luminosi costituiti da proiezioni di figure geometriche – quadrati, coni, cilindri e altre forme – concepiti in stretta relazione con l’architettura e con le specificità del luogo in cui vengono realizzati. Assumendo la luce come elemento primario del proprio linguaggio, l’artista lavora sull’atto del vedere come luogo dell’incontro con la realtà lasciando aperto lo spazio dell’azione, del pensare, del sentire: l’indagine sui limiti della percezione avviene generando un dialogo continuo tra spazio, visione e presenza che trasforma ogni intervento in un’esperienza capace di ridefinire il rapporto tra opera, ambiente e osservatore.

Come ha scritto Harald Szeemann, Michel Verjux appartiene a quella generazione di artisti, emersi a metà degli anni Ottanta che, “familiari” con “la funzione magica dell’oggetto di matrice beuysiana e con la libertà evocativa dell’arte concettuale” si sono interrogati sulla genesi dell’immagine a partire da un’analisi del luogo dell’esposizione.

La sua arte vuole educare l’occhio alla conoscenza, aggiungere indici, segni inediti al linguaggio visuale per arricchire la percezione della realtà: la proiezione luminosa diviene un gesto concreto nell’esperienza di una determinata situazione con la quale si è chiamati a interagire affinché si mostrino le relazioni che intercorrono tra i vari livelli di realtà. Lo stesso Verjux ha descritto in questi termini la propria modalità creativa: “Il mio fare artistico è ampiamente incentrato sul processo (o sul dispositivo) che mette in gioco l’energia, la materia e il dare forma a ciò che, immediatamente, ci sta di fronte e ci circonda. Un processo (o dispositivo) che, a mio avviso, deve permettere al destinatario di vivere un’esperienza”.

Gli éclairages appositamente realizzati per questa occasione portano in evidenza alcuni elementi architettonici specifici della galleria: dall’ampia scala centrale con il disegno essenziale della ringhiera, alla soglia che connette una sala espositiva all’altra, all’incrocio arrotondato tra due pareti perpendicolari.

“Può essere una semplice esposizione, una semplice illuminazione di ciò che si trova già lì in una cornice particolare; ma in realtà si tratta di un ‘già lì’ portato ironicamente all’attenzione del visitatore con insistenza”. (Michel Verjux, 2001).
Affiancano gli éclairages alcune opere realizzate con fogli di acciaio inox piegati e tagliati da fessure semicircolari che, attraverso la contrapposizione tra pieno e vuoto, evidenziano come lo spazio sia condizione necessaria per la loro esistenza.

Attraverso questa mostra Verjux attua una riflessione, oltre che sul processo e la relazione, anche su come l’opera venga recepita: tutto dipende da ciò che ci si aspetta o si desidera, da ciò che si vuole e, in particolare, da ciò che si cerca – e da ciò che la realtà è in grado di restituire. La visione mostra “tutto o solo una sua parte?”, lo scetticismo dell’artista francese resta sospeso nel seguente assunto di Ludwig Wittgenstein: “non esiste un unico metodo, ma molti metodi”.

In occasione della mostra è stato pubblicato un volume bilingue contenente un saggio di Francesco Tedeschi, un testo di Michel Verjux, la riproduzione delle opere in mostra e un aggiornato apparato bio-bibliografico.

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

LUCIANA MASTRANGELO - AKRONOS perché nulla sia disperso

by Rosaria Pannico

 

 

Amiche e amici di rosarydelsudArt news questo pomeriggio sono andata alla presentazione della mostra di Luciana Mastrangelo "AKRONOS perché nulla sia disperso" presso AUTSIDER GALLERY in via Porpora 11 (Napoli).

Vi segnalo che la mostra è visitabile fino al 6 novembre, perché visitarla?

Guardate i video e lo scoprirete:  

   

 

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LESIONI.TRACCE DI MEMORIA di Giovanni Mangiacapra - LA PRESENTAZIONE

by Rosaria Pannico 

 

 

 

 

 

 

 

Amiche e amici di rosarydelsudArt news si è svolto ieri il vernissage dalla mostra di arte moderna e contemporanea di Giovanni Mangiacapra dal titolo "LESIONI.TRACCE DI MEMORIA".

 

L'esposizione sarà visitabile fino al 14 novembre presso le Antisale dei Baroni del MASCHIO ANGIOINO Napoli.

 L'esposizione propone un percorso visuale intimo ed emotivo che mette al centro il concetto di ferita, temporale e interiore, facendone materia pittorica. L’invito di Mangiacapra è chiaro e viscerale: sfiorare le crepe e le lesioni. 

 

"Un gesto non solo contemplativo, ma necessario per spingersi oltre la superficie, comprendere l’origine della frattura e, infine, tentarne la cura. Le opere in mostra diventano così una mappa di segni, stratificazioni e sovrapposizioni in cui la materia pittorica si fa testimone del tempo che passa e del dolore che trasforma." 

 

"Le "lesioni" non vengono celate, ma esposte come cicatrici preziose: punti d'interruzione che diventano occasioni di rinascita, trame di una memoria collettiva e individuale capace di rigenerarsi."

 

 

 

SCHEDA MOSTRA

Titolo

LESIONI.TRACCE DI MEMORIA

Artista 

Giovanni Mangiacapra 
 

Critica di

Margherita Romano 

e Rocco Zani Miele
 

Intervento 

Massimo Cilenti Consigliere Comunale


Organizzazione e progetto artistico

di Gianfranco Racioppoli e Rosanna Iossa

La fotografia

 di Luigi Storoni

Progetto e grafica catalogo

 di Antonio Picardi

 

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Benni Bosetto. The Ballad of the Blue Kind

Due giorni di performance in Strozzina

 

 

Apre domani, 22 ottobre, The Ballad of the Blue Kind, il nuovo progetto dell’artista Benni Bosetto, promosso da Fondazione Palazzo Strozzi e IED Firenze e concepito appositamente per le due istituzioni. Un’esperienza tra performance, musica, disegno e installazione, che esplora le diverse sfumature della solitudine attraverso due momenti complementari.

Il 22 e 23 ottobre, dalle 17.30 alle 19.30, la Strozzina di Palazzo Strozzi ospita una performance in cui cinque personaggi danno voce, attraverso il canto, a storie e frammenti di solitudine che si intrecciano tra loro. Negli spazi dell’ex Teatro dell’Oriuolo di IED Firenze, invece, prende forma una grande installazione in cui il disegno si trasforma in oggetto scultoreo, evocando la memoria dei corpi e delle loro storie.

Le performance a Palazzo Strozzi sono gratuite, con prenotazione obbligatoria, mentre la mostra presso IED Firenze sarà visitabile gratuitamente fino al 23 dicembre 2026.

The Ballad of the Blue Kind, le performance:

Palazzo Strozzi, Strozzina

Dal 22 al 23 ottobre, ore 17.30-19.30

Ingresso gratuito con prenotazione obbligatoria

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

L'E. VEKTRO - Dipinti e tessuti di Elena Ghezzi

San Nicolao Arte Contemporanea
6 novembre – 8 dicembre 2026

Elena Ghezzi, Autoritratto, 2018, grafite e inchiostro su carta, 16x30 cm

Pittura e sartoria sono i due ambiti attraverso cui la mostra L’E. VEKTRO ripercorre il lavoro di Elena Ghezzi, autrice bellanese scomparsa nel 2024. Dal 6 novembre all’8 dicembre 2026, San Nicolao Arte Contemporanea ne presenta dipinti e creazioni tessili.
 
Dai primi lavori, caratterizzati da colori accesi e sperimentazioni tecniche, alle opere più essenziali della maturità, il percorso restituisce una pratica guidata dalla libertà espressiva. Le creazioni sartoriali ne raccontano un altro aspetto: l’attenzione al dettaglio, la scelta dei tessuti e il recupero dei materiali traducono la sensibilità visiva in abiti e manufatti.
 
La mostra riporta all’attenzione del pubblico una figura legata alla storia di Bellano, riconoscendo nella sua produzione e nel ricordo di chi l’ha conosciuta una parte della memoria culturale della comunità.

IL BELLO DELL’ORRIDO
Cinema di Bellano
A cura di Armando Besio

 
Proseguono gli incontri de Il bello dell’Orrido, la rassegna a cura di Armando Besio dedicata ai protagonisti della cultura contemporanea. Dopo l’appuntamento del 26 settembre con Andrea Vitali, dedicato alla poesia, il programma autunnale propone due conversazioni tra letteratura, storia e trasformazioni del presente.
 
Gli incontri si tengono al Cinema di Bellano alle ore 18.00, con ingresso gratuito, e sono preceduti da un percorso accompagnato dai Custodi del Patrimonio di Bellano alla scoperta dell’itinerario BAC. Per partecipare al percorso è obbligatoria la prenotazione all’indirizzo custodipatrimoniobellano@gmail.com
 
Sabato 24 ottobre 2026
La signora in giallo, con Ben Pastor
La scrittrice Ben Pastor dialoga con Armando Besio a partire dal suo ultimo libro, Lo specchio del pellegrino (Sellerio, 2026). Al centro del romanzo torna Martin Bora, ufficiale della Wehrmacht e collaboratore dei servizi segreti, diviso tra l’obbedienza alla divisa e l’avversione agli orrori del nazismo. Nata a Roma e naturalizzata americana, Pastor intreccia nella propria narrativa l’indagine poliziesca con le contraddizioni della storia e le responsabilità individuali.
 
Sabato 28 novembre
Manuale di resistenza digitale, con Bruno Giussani
Il giornalista e podcaster Bruno Giussani, per vent’anni direttore europeo e curatore globale della fondazione TED, incontra Armando Besio a partire dal saggio La mente sotto assedio. Come non lasciarsi manipolare nell’era dell’intelligenza artificiale (Edizioni Casagrande, 2026). La conversazione affronta il rapporto tra persone, intelligenza artificiale e tecnologie algoritmiche: come riconoscerne l’influenza sulle nostre scelte e sviluppare gli strumenti per utilizzarle consapevolmente.

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

BAC BELLANO ARTE CULTURA - LA NUOVA STAGIONE, DALL’AUTUNNO 2026 ALLA PRIMAVERA 2027

Antoon Van Dyck (Antwerpen 1599 - London 1641), Autoritratto, c. 1630, olio su tela applicata su tavola nel XIX sec., 45 × 34 cm ©Ente Museo Palazzo Costa - Fondazione Horak Piacenza

 

Un autoritratto di Van Dyck incontra la ricerca contemporanea di Marc Didou; il festival Prima Corrente porta a Bellano gli esordi del cinema italiano. 
Mostre, conversazioni e un’anticipazione della primavera con le fotografie di Carlo Borlenghi al Parco Lorla.

 

Un dialogo sullo sguardo tra Antoon Van Dyck e Marc Didou; un nuovo festival dedicato alle opere prime del cinema italiano e, in primavera, la riapertura del Parco Lorla con un progetto fotografico di Carlo Borlenghi. BAC Bellano Arte Cultura, progetto del Comune di Bellano che riunisce luoghi e iniziative dedicati all’arte, alla storia e al paesaggio, presenta la programmazione dall’autunno 2026 alla primavera 2027.
 
La nuova stagione dà continuità a una proposta culturale che accompagna la vita di Bellano durante tutto l’anno. La vicinanza tra museo, spazi espositivi e luoghi di incontro invita a percorrere il paese attraverso esperienze differenti: il confronto tra maestri del passato e artisti contemporanei, la scoperta di nuovi autori del cinema, le conversazioni con scrittori e giornalisti. Il paesaggio del lago e le storie della comunità entrano in questo percorso come parte della propria identità.
 
La programmazione si inpernia su due progetti centrali: Van Dyck / Didou, dal 12 dicembre 2026 al 7 marzo 2027 tra San Nicolao Arte Contemporanea e il Museo Giancarlo Vitali, e la prima edizione di Prima Corrente, avviata il 7 ottobre e in programma fino al 10 marzo 2027. Li affiancano la mostra dedicata a Elena Ghezzi, dal 6 novembre all’8 dicembre, e gli incontri de Il bello dell’Orrido, a cura di Armando Besio. La primavera aprirà un nuovo capitolo con il progetto dedicato alle fotografie di Carlo Borlenghi al Parco Lorla, attualmente interessato da un intervento di recupero.
 
«Con BAC vogliamo dare continuità all’investimento culturale di Bellano e rendere i suoi luoghi sempre più presenti nella vita del paese», dichiara Antonio Rusconi, sindaco di Bellano. «La nuova stagione offre ai cittadini occasioni di scoperta e partecipazione durante tutto l’anno e invita nuovi visitatori a conoscere Bellano attraverso l’arte, il cinema e il suo patrimonio. Le mostre, il coinvolgimento delle scuole e il recupero del Parco Lorla sono parti di un progetto che cresce nel tempo, con l’obiettivo di rendere la cultura una presenza stabile e accessibile per la comunità».
 

SGUARDARE
Antoon Van Dyck e Marc Didou
San Nicolao Arte Contemporanea e Museo Giancarlo Vitali
12 dicembre 2026 – 7 marzo 2027
A cura di Simone Ferrari e Chiara Gatti

 
Che cosa accade quando un volto rappresentato sembra restituire lo sguardo di chi lo osserva? Da questa domanda prende forma Sguardare, progetto espositivo che dal 12 dicembre 2026 al 7 marzo 2027 mette in dialogo due ricerche distanti nel tempo attraverso un percorso in due sedi di BAC.
 
Al Museo Giancarlo Vitali il progetto espositivo presenta un raro Autoritratto di Antoon Van Dyck (Anversa, 1599 – Londra, 1641), datato intorno al 1630 e custodito presso il Museo Palazzo Costa di Piacenza. L’opera introduce il confronto con un’installazione site-specific dello scultore francese Marc Didou (Brest, 1963), esposta a San Nicolao Arte Contemporanea: una sequenza di enigmatici volti immateriali che, attraverso la tecnica anamorfica, prendono corpo nello sguardo del visitatore. Le presenze scolpite dall’artista incontrano quelle dipinte nella chiesa, annullando idealmente le distanze tra epoche e linguaggi, tra ciò che è visibile e ciò che attende ancora di essere scoperto.
 
Il percorso recupera l’antico verbo sguardare come un invito a interrogarsi sullo sguardo quale esperienza attiva: osservare un volto significa entrare in una relazione, cercare una presenza, riconoscere qualcosa di sé nell’altro. Se il maestro fiammingo affida al ritratto la possibilità di indagare l’identità e la vita interiore, lo scultore francese mette in discussione la certezza stessa della visione, chiedendo a chi osserva di diventare parte dell’esperienza.
 
«Chi ha pensato le cose più profonde, ama ciò che è più vivo», scriveva Hölderlin. La mostra conclude il programma di ricerca che ha accompagnato il BAC nel corso del 2026, ispirato al pensiero del poeta e al suo invito a «Essere uno con il tutto». Dopo Devota. Arte e sacro, territorio e comunità, in Sguardare Hölderlin accompagna una riflessione sulla contemplazione e sulla capacità dell’arte di rendere percepibile, attraverso un’immagine, la profondità della vita. 

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA 

Denzil Forrester entra a far parte della galleria Thaddaeus Ropac

 

Images: © Denzil Forrester. Courtesy Thaddaeus Ropac gallery, London · Paris · Salzburg · Milan · Seoul. Photo: Eva Herzog.
Professor Version, 2025, Oil on canvas, 274 x 203 cm (107.87 x 79.92 in)

 

Nel corso di oltre quattro decenni, Denzil Forrester (n. 1956) ha sviluppato una pratica pittorica radicata nei suoni e nell'energia vitale della scena dub e reggae londinese dei primi anni Ottanta, dando forma al ritmo, al movimento e all'emozione attraverso la linea e il colore. Traducendo in termini visivi le tecniche musicali del campionamento, del missaggio e del looping, crea composizioni audaci e dinamiche che affondano le radici nella tradizione pur restando inconfondibilmente personali.

Ammiro da tempo il lavoro di Denzil. Come i suoi predecessori, che trassero ispirazione dalla musica e dalla vita notturna, anche lui possiede una straordinaria capacità di distillare l'energia di un'atmosfera, il movimento e le emozioni condivise di gioia, nostalgia o paura. I suoi dipinti sono tra i più avvincenti e originali della sua generazione. Dopo aver esposto le sue opere nella nostra mostra collettiva Artists I Steal From, curata da Alvaro Barrington nel 2019, siamo entusiasti di rappresentarlo oggi. –– Thaddaeus Ropac

La nostra prima mostra personale dedicata a Forrester si terrà a Londra nel giugno 2027. Coinciderà con l'inaugurazione di un'ampia retrospettiva a The Box di Plymouth, insignito del titolo di Art Fund Museum of the Year nel Regno Unito, che riunirà dipinti e disegni realizzati nel corso degli ultimi cinque decenni. Le sue opere sono attualmente esposte nella mostra The Music is Black: A British Story al V&A East Museum di Londra (fino a gennaio 2027) e sono state recentemente incluse nella Backyard Biennial: East alla Whitechapel Gallery di Londra (2026).

Una rivelazione, per me, è stato vedere i lavori recenti usciti dallo studio di Denzil. Hanno una delicatezza e una forma che forse nascono dal suo riflettere sul proprio passato. Questi nuovi dipinti hanno una qualità onirica e scaturiscono tanto dalla sua immaginazione quanto dai suoi studi dal vero. –– Peter Doig
 
La padronanza del disegno di Denzil Forrester e la sua dedizione all'atto del dipingere rivelano una profonda immersione nella storia dell'arte e nell'opera di pittori tanto diversi quanto Giotto, Goya, Caravaggio, Leonardo e Michelangelo, Max Beckmann e Otto Dix, Paul Cézanne, Picasso e gli impressionisti francesi. Come ha scritto il poeta e pittore John Lyons, ‘il rispetto di Denzil per la tradizione è la manifestazione della volontà di trovare un'identità all'interno di due culture, quella afro-caraibica e quella europea, entrambe fondamentali nel suo percorso di maturazione come artista’.

 

Images: © Denzil Forrester. Courtesy Thaddaeus Ropac gallery, London · Paris · Salzburg · Milan · Seoul. Photo: Eva Herzog.
Yard, 2025, Oil on canvas274 x 204 cm (107.87 x 80.31 in)

La maggior parte dei miei compagni della scuola d'arte guardava all'espressionismo astratto nordamericano, ma io sapevo di dover trovare qualcosa che mi scuotesse e mi smuovesse dall'interno. Negli anni Ottanta cominciai a disegnare in nightclub come il Phebes di Dalston, perché avevo capito che le ninfee di Monet e i paesaggi di Van Gogh nascevano da una motivazione semplice: la pittura stessa. Bisogna dipingere qualcosa che abbia un significato per te. –– Denzil Forrester

Esplorando il nightclub come uno spazio capace di accogliere gioia estatica, musica ed espressione, ma anche malinconia e nostalgia di casa, i suoi dipinti rispecchiano la duplicità del paesaggio sociale e culturale londinese, che conviveva con le tensioni razziali e le violenze della polizia degli anni Ottanta. Le tavolozze ricche e sature dell'artista rispondono agli ambienti e ai luoghi in cui ha vissuto: il paesaggio assolato di Grenada della sua infanzia, fino al trasferimento a Londra nel 1967; Roma, dove nel 1983–85 svolse una residenza presso la British School, assorbendo dalla città e dal suo straordinario patrimonio artistico il gusto per una luce pura e nitida; la luce limpida e l'atmosfera della Cornovaglia, dove Forrester si è trasferito nel 2016 e dove oggi vive e lavora.

Fare esperienza delle immagini e dei suoni vibranti vissuti da Forrester significa celebrarne la straordinaria abilità artistica, l'acuta capacità di osservazione e il ricco ritmo compositivo. –– Sheena Wagstaff, curatrice

Scopri di più ed esplora il lavoro dell'artista
 
Visitate il nostro stand a Frieze London la prossima settimana, dove presenteremo due opere recenti di Denzil Forrester, Professor Version (2025) e Yard (2025).

 

COME DA COMUNICAZIONE RICEVUTA